ОНТОЛОГИЯ ИСКУССТВА - исследовательское направление в эстетике, изучающее фундаментальные принципы бытия искусства, бытийную сущность его символики. Первоначальное русло онтологии искусства было связано с изучением способа бытия художественного произведения как чувственно-материального объекта, анализом онтологического статуса искусства, степени объективности его содержания, форм его зависимости (независимости) от воспринимающего субъекта и историко-культурного контекста.
    Сам по себе музыкальный текст или текст пьесы, романа есть не что иное как физический объект, запечатленный в нотах, типографских знаках; статус произведения искусства он приобретает только тогда, когда актуализируется и воспринимается заложенное в нем содержание. Уже со времен Канта стало общезначимым заключение: процесс распредмечивания содержания произведения возможен лишь в случае соединения интенции художественного текста с действительным опытом индивида. Более того, сам факт новых и новых приближений к уже известному произведению - инсценировки, трактовки, вариации - свидетельство онтологической неисчерпаемости, таящихся в нем "резервов смысла". Отсюда высказываемое суждение, что настоящий смысл произведения искусства есть совокупность всех исторических смыслов, для которых оно дает повод.
    В XX веке проблемы онтологии искусства активно разрабатывались в феноменологии Э.Гуссерля, экзистенциализме М.Хайдеггера, структурализме Р.Барта. Главный лейтмотив их поисков в этой сфере - каким образом посредством искусства человек может прикоснуться к глубинным структурам бытия? Какой должна быть идеальная модель художественного восприятия, преодолевающая поверхностный психологизм, очищающая восприятие от случайных ("неподлинных") онтологических знаков, символов? В какой мере через художественное переживание можно проникать в сущностные характеристики бытия? Таким образом XX век привнес значительное обогащение в трактовку проблем онтологии искусства. Исследование уже не ограничивается ролью материального носителя произведения искусства и воспринимающего субъекта в процессах смыслопорождения. Речь идет о соотнесенности художественной символики с сущностными основами бытия.
    Благодаря новым и новым интерпретациям произведение искусства постоянно возрождается. При этом оказывается, что власть хозяина этого текста - его автора - над дальнейшей жизнью художественного языка - достаточно мнимая. С этим наблюдением связана известная концепция "смерти автора" Барта. Вся множественность исторических биографий текста, по его мнению, "фокусируется в определенной точке, которой является не автор, как утверждали до сих пор, а читатель", "рождение читателя приходится оплачивать смертью автора". "Смерти автора", способствуют и возможности текста к самоорганизации: самые оригинальные авторские замыслы вступают в компромисс с надличностными языковыми формами и приемами данной культуры, самостоятельные законы рождающегося живого текста порой действуют неодолимо.
    Произведение искусства предполагает широкое, но не беспредельное поле для интерпретаций; художественная форма задает им определенное направление, по которому можно долго двигаться, но только в его рамках, тогда трансформация онтологических смыслов будет подобна естественному прорастанию зерна. Условие многовековой <прочности> и открытости произведений, определяемых как классические, заключено в таком качестве художественной формы как полисемия, многозначность. Именно отсюда исходит правота нередко звучащего утверждения, что художественный мир может ощущаться более подлинным, чем реальный. Сгущение художественной символики образует такой ландшафт, что онтологически он воспринимается как более богатый, чем мир обыденный. Через особую конфигурацию ключевых символов, повторяющихся "эмблем" и лейтмотивов проглядывает всепорождающая стихия бытия. На достижение такого эффекта, по сути, и претендует любой художник - быть не своим собственным глашатаем, но "глаголом универсума". Его экзистенциальная тоска во многом и выступает как побудительный мотив творчества, позволяющий искусству осуществить прорыв сквозь устоявшиеся мифологемы и рутинный порядок в непредсказуемые глубины космоса, в новые резервы бытийного смысла.

Онтологический статус произведения искусства. Понятие внеш¬ней и внутренней формы. Соотнесенность художественной симво¬лики с сущностными основами бытия. Роль интенции текста и интенции автора в процессе продуктивного бытия произведения искусства. Предпосылки онтологического богатства произведения искусства как открытой системы.
Онтология - учение о фундаментальных принципах бытия, о наиболее общих бытийных сущностях. Проблемы, которые рассмат¬ривает онтология искусства, распадаются на два русла. Первое свя¬зано с изучением способа бытия художественного произведения как чувственно-материального объекта, т.е. речь идет об онтологическом статусе искусства, степени объективности его содержания, форм его зависимости (независимости) от воспринимающего субъекта и историко-культурного контекста.
Любое произведение искусства может быть так или иначе пред¬ставлено как объективно существующий текст, обладающий соот¬ветствующей материальной оболочкой и структурой. В силу каких особенностей этот текст с устойчивыми сопряжениями и взаимо¬связями может быть открыт для интерпретаций? Существует ли един¬ственно правильное - «каноническое» - прочтение музыкального, литературного, живописного текста? Обсуждение поставленных воп-росов провоцирует сама художественная практика. Если, к примеру, сопоставить очерк Н.С. Лескова «Леди Макбет Мценского уезда», драматический спектакль, созданный на этой основе, и одноимен¬ную оперу Д.Д. Шостаковича, то во всех трех случаях налицо будут разные проблемные узлы этого повествования и даже разные бытийно-смысловые исходные позиции. Следовательно,константность образно-тематического строя не есть гарант константности смыслообразования в разных произведениях и видах искусств. В этом - одно из базовых положений общей теории искусства, фиксирующее не¬совпадение темы и идеи (пафоса) произведения.
Интегративный идейный смысл рождается в результате сложного взаимодействия образно-тематического строя с внешней и внутренней формами произведения. К внешней форме относят чувственную оболочку образа, непосредственно обращенную к восприятию (цвет, свет, тембр звука, внешность актера, костюм), т.е. языковые средства разных видов искусств. Внутреннюю художественную форму составляют способы раз¬работки, организации и претворения языковых средств (композиционные приемы в живописи, литературе, музыке, принципы монтажа, полифо¬нии, способы движения и декламации в сценических видах искусств и т.п.). Встреча разных языковых средств с одной и той же темой не просто по-разному оформляет существование этой темы в искусстве, но и от¬крывает в ней разные онтологические, содержательные ракурсы.
Является ли опера Ж. Бизе «Кармен» продолжением той же «бы¬тийной мифологии», которая бьша заложена одноименной новеллой П. Мериме? Очевидно, нет. «Пороговые места», порождающие базо¬вые смыслы, по-разному задаются стилистикой литературного и му-зыкального текста, сюжетными ходами, ритмом, композицией и иными деталями художественного языка. Еще большее количество вопросов задают художественные тексты, которые для своей актуа¬лизации нуждаются не только в публике, но и в исполнителе. Это музыкальное и театральное искусство, где от опыта, темперамента, интерпретации, культурно-исторической ауры существенно транс¬формируются исходные интенции художественного текста.
Музыкальный текст или текст пьесы есть не что иное, как физи¬ческий объект, запечатленный в нотах, типографских знаках, храня¬щийся до поры до времени на полке. Статус произведения искусства он приобретает только тогда, когда актуализируется и воспринима¬ется заложенное в нем содержание. В какой степени это содержание «прикреплено» к вещной основе исходного авторского текста, а в какой - открыто для трансформаций? В исполнительских видах ис¬кусств встречаются творцы, снабжающие каждый поворот текста подробными ремарками для исполнителя (Р. Шуман, А. Скрябин). Другие, напротив, оставляют простор для исполнителя, не регла¬ментируют его подробными указаниями (И.С. Бах, Ф. Шуберт).
Все подобные наблюдения позволяют утверждать, что как физи¬ческая структураискусство не существует. «Если мы рассматриваем произведение со стороны его неприкосновенной действительности и при этом сами ничего своего не привнесем, то оказывается, - писал Мар-тин Хавдеггер (1889-1976), - что произведение выступает перед нами так же естественно, как вещи. Картина висит на стене, как охотничье ружье или как шляпа. Квартеты Бетховена лежат на складах издательства, как картофель в погребе. Все произведения обладают этой вещественнос¬тью. Чем были бы они без нее?».* Таким образом, подлинное бытие художественного произведения заключается в его духовном бытии.

* Heidegger M. Holzwege. Frankfurt a. Main, 1957. Р. 9.

Разрабатывая этот тезис, польский эстетик Роман Ингарден (1893- 1970) склонен трактовать способ бытия произведения искусства как видимость. Если нельзя ощутить, потрогать его духовный, психический смысл, значит - это воздух, который никак невозможно определить. «Как же, однако, может существовать нечто, что не является ни психическим (сознательным), ни физическим, - причем существовать даже тогда, когда им никто сознательно не занимается?.. Как же возможно, чтобы в са¬мых разных исполнениях слышно было бы то же самое, чтобы каждый раз являлось нам то же самое произведение в оригинале, в своем при¬сущем облике?» - спрашивает Ингарден.* Безусловно, это невозмож¬но, более того, фольклорное произведение, к примеру, пока живет, всегда создается и никогда не бывает созданным раз навсегда - в от¬сутствии автора и заключена причина его многовариантности.

* Ингарден Р. Исследования по эстетике. М., 1962. С. 405.

Еще по мысли Канта, вопрос о бытии искусства самом по себе оказывается лишенным смысла. Его толкование искусства как «целесо¬образности без цели» предполагало участие субъекта в качестве неотъем¬лемой фигуры художественного восприятия. Лишь благодаря соедине¬нию интенции художественного текста с действительным опытом ин¬дивида могли состояться распредмечивание и актуализация содержа¬ния. Более того, сам факт все новых и новых приближений к уже изве¬стному произведению - инсценировки, трактовки, вариации - служит свидетельством онтологической неисчерпаемости таящихся в нем «ре¬зервов смысла». Отсюда распространенное суждение, что настоящийсмысл произведения искусства есть совокупность всех исторических смыслов, для которых оно дает повод. Именно неразгаданность, тайна, загадка, метаморфоза художественного текста позволяют каждой новой эпохе «вбрасывать» в произведение свою онтологическую проблему.
В XX в. проблемы онтологии искусства активно разрабатывались в феноменологииЭдмунда Гуссерля (1859-1938), экзистенциализме Мартина Хайдеггера,структурализме Ролана Барта (1915-1980). Глав¬ный лейтмотив их поисков в этой сфере - каким образом посред-ством искусства человек может прикоснуться к глубинным структурам бытия? Какой должна быть идеальная модель художественного вос¬приятия, преодолевающая поверхностный психологизм и очищающая восприятие от случайных («неподлинных») онтологических знаков, символов? В какой мере через художественное переживание можно проникать в сущностью характеристики бытия? Таким образом, XX в. значительно обогатил трактовку проблем онтологии искусства. Разго¬вор уже не ограничивается ролью материального носителя, чувствен¬ной оболочки произведения искусства и воспринимающего субъекта в процессах смыслопорождения. Речь идет осоотнесенности художествен¬ной символики с сущностными основами бытия. Как реконструировать текст, чтобы восприятие не скользило по поверхности событийной фактуры, а могло схватить ключевые символы, скрытые в метафоричес¬ких, композиционных складках текста? Язык искусства несет на себе не только отпечаток субъективности автора, но и символику бытия, принадлежащую тому миру, в котором он родился и творил. Персо¬нальная и культурно-историческая мифология взаимопереходят друг в друга. Автор текста и его реципиент, как правило, размещаются в разных культурно-исторических пространствах; возможно ли преодолеть различие их установок на пути постижения универсальности символа?
В процессе исторической жизни произведения создается его куль¬турная аура, тоже входящая в состав этого художественного текста. То есть история интерпретаций произведения, его художественная репутация создают контекст, предопределяющий дальнейшее русло его распредмечивания. Исследователи, размышлявшие над этой пробле¬мой, сходились в том, что символику художественного произведе¬ния нельзя идентифицировать с душевным состоянием ни его твор¬ца, ни воспринимающего субъекта. Продукт труда художника, когда он завершен, перестает быть его духовной собственностью и начина¬ет выражать смысл, не всегда совпадающий с тем, который вкладывал в него художник. Болезненно ощущая разрыв между своим опредмеченным иневыразимым «я», Ф. Кафка свидетельствовал: «Я пишу иначе, чем говорю, говорю иначе, чем думаю, думаю иначе, чем должен думать, и так далее, до самой темной глубины».
Вокруг романа, картины, пьесы, симфонии, которыми захваче¬на публика, нагромождается не одна, а множество действительностей. Их художественные символы способны мобилизовывать новые резервы смысла под влиянием не только вхождения произведения в новые культурно-исторические пространства, но и тех вопросов, которые задает художественному тексту любое индивидуальное и сиюминутное субъективное сознание.
Уже в XIX в., наблюдая эти метаморфозы жизни произведения, стремились выявить «сторонний» состав факторов, влияющий на процесс художественного смыслообразования. «Профессора и акаде¬мики уверяют, - пишут братья Ж. и Э. Гонкуры, - будто существу¬ют произведения и авторы, над которыми не властно ни время, ни изменение вкуса, ни обновление духа... Если все в мире изменилось, если человечество пережило столь невероятные превращения, пере¬менило религию, переделало заново свою мораль, - неужели же представления, вымыслы, сочетания слов, пленявшие мир в дале¬кие времена его детства, должны пленять нас так же сильно, так же глубоко, как пленяли какое-нибудь пастушеское племя, поклоняв¬шееся многим богам».* Действительно, способны ли новые критерии художественности «отменять» предшествующие и тем самым пре¬кращать существование в истории шедевров, казавшихся неруши¬мыми? Или же произведения художественного максимума соответ¬ствующих культур, воплощая «абсолютную идею в ее внешнем бы¬тии» (Гегель), всегда воспринимаются как бросок в будущее, как онтологическая тайна, предназначенная к разгадке временем?

* Гонкур Э., Гонкур Ж. Дневник. М., 1964. Т. 1. С. 391.

Ряд продуктивных идей в этом отношении выдвинул Александр Афанасьевич Потебня (1835-1891). Одно из его главных положений состоит в том, что созидание художественного образа, помимо основ¬ного значения, включает в себя иное и нечто большее, чем в нем непос-редственно заключено. Размышления о том, как переходят содержа¬ние, мысль, идея от художника к зрителю, Потебня как будто бы итожил пессимистической фразой, известной со времен В. Гумбольд¬та: «Всякое понимание есть непонимание». Для него было несомнен¬но, что буквального, точного понимания художественного произведе¬ния нет и быть не может. Язык искусства, согласно Потебне, есть сред¬ство не выражать готовую мысль, а создавать ее. Между художествен¬ным образом и его значением всегда существует неравенство, уничто¬жение которого привело бы к уничтожению поэтичности. И в литера¬турном творчестве «дело не в соответствии образа слова какой-либо идее, а в возможности будить, рождать и вызывать новые и новые мысли».* Слово служит средством сообщения мысли лишь постольку, поскольку в слушающем оно производит процесс создания мысли, сле¬довательно, и поэтичность образа тем больше, чем в большей степени он располагает читателя, зрителя или слушателя к сотворчеству.

* Потебня А.А. Эстетика и поэтика. М., 1976. С. 112.

Таким образом, лексические формы языка искусства могут пе¬рейти в идейно-концептуальные формы лишь в том случае, если ху¬дожественный язык обладает возможностью суггестивного воздей¬ствия (внушения). Полноценный контакт предполагает не только зов со стороны текста, но и отклик реципиента. По мысли ученого, «за¬зор» между содержанием, которое переживал автор, и сполохами онтологического озарения, которые рождаются в психике читателя, зрителя, может быть довольно существенным. Однако не это главное; ценнейшая суть и предназначение художественного образа заключены в самой его способности разжигать это «симпатическое волнение» (А. С. Пушкин), возбуждать поэтическую деятельность у самого вос-принимающего. Отсюда и особая роль художественной формы, в ко¬торой произведение искусства предстает публике.
Нарушение даже в бесконечно малых элементах произведения искусства сложного способа сцепления мыслей и слов ведет к унич¬тожению художественного эффекта. Особенно явно это положение подтверждает факт перевода литературного текста с одного языка на другой. В таком случае и вовсе трудно говорить о цепи чувственных представлений, идущих от автора к читателю: ведь перед нами со¬вершенно новая структура даже по физическим параметрам - новое построение и написание фраз, новое количество строчек, слов и т.д.
Во множестве случаев мы сталкиваемся с тем, что «зажигания одной свечи от другой» не происходит, например, текст не вызывает эмоционального заражения не только у обычной публики, но и у са¬мих деятелей искусства. Известно, что Лев Толстой не любил Шекс¬пира, а Бунин не признавал поэзию Блока, Марина Цветаева не любила Чехова, а любила Ростана. У каждого человека есть своя из¬бирательность в отношении классических авторов. Это еще раз под¬тверждает, что содержание произведения искусства не есть нечто раз и навсегда созданное, а нечто, создающееся постоянно.Искусство есть язык художника, с помощью которого можно пробудить в человеке его собственную мысль, но нельзя ее сообщить в авторской непреложно¬сти; поэтому содержание произведения искусства после завершения работы над ним развивается уже не в художнике, а в воспринимающих.
Благодаря новым и новым интерпретациям произведение искус¬ства постоянно возрождается. При этом оказывается, что власть хо¬зяина этого текста, его автора, над дальнейшей жизнью художествен¬ного языка достаточно мнимая. С этим наблюдением связана извест¬ная концепция «смерти автора» Р. Барта. Вся множественность исто¬рических биографий текста, по его мнению, «фокусируется в опре¬деленной точке, которой является не автор, как утверждали до сих пор, а читатель», «рождение читателя приходится оплачивать смер¬тью автора».* «Смерти автора», добавим, способствуют и возможно¬сти текста к самоорганизации: самые оригинальные авторские за¬мыслы вступают в компромисс с надличностными языковыми фор-мами и приемами данной культуры, самостоятельные законы рож¬дающегося живого текста порой действуют неодолимо.

* Барт Р. Избранные работы. Семиотика. Поэтика. М., 1994. С. 390, 391.

Для понимания этих законов важно отдавать должное интенции, ис¬ходящей не только от читателя, зрителя, но и интенции, исходящей из самого текста. Ю.Н. Куликов обратил внимание на замечательное возраже¬ние в свое время Гете Шопенгауэру: «Вы думаете, что света не было бы, если бы Вы его не видели? Нет, Вас не было бы, если бы свет Вас не видел». Отсюда формулируется и главное предназначение художника - использовать свой гений для «поимки» интенций, излучаемых бытием; добиваться проникновения в дух бытия через каналы художественных форм.
Совокупность индивидуальных и коллективных интерпретаций не проходит без обратного влияния на интерпретируемое произведение. Предварительная художественная установка каждого человека, привер¬женность определенной художественной традиции, знания о прежних оцен¬ках данного произведения, эмоциональные предпочтения, - все это вла¬ствует над голыми художественными фактами, которых, по сути, и не существует. Художественные факты оказываются эластичной материей, та или иная социокультурная общность всегда одевает их в свой костюм.
Произведение искусства предполагает широкое, но не беспредель¬ное поле для интерпретаций. Художественная форма задает им опреде¬ленное направление, по которому можно долго двигаться, но только в его рамках, тогда трансформация онтологических смыслов будет по-добна естественному прорастанию зерна. Эпохальные разночтения не¬избежны, ибо то, что оценивается и воспринимается в искусстве через понятия гармонии, целостности, экспрессии, не обладает такой же чув¬ственной самоочевидностью, как, скажем, понятия прямоугольное, круг¬лое, красное. У каждого имеются свои представления по поводу того, что такое гармония, целостность, экспрессия, чего не наблюдается в отношении прямоугольного, круглого, красного.
Каждое произведение, живущее в веках, обладает колоссальным запасом прочности и способностью являть собой открытую систему. С позиций большого Времени оказывается, что власть не только ав¬тора, но и читателя, зрителя над художественным текстом мнимая. Никакое предшествующее толкование в принципе не мешает худо¬жественному тексту предстать перед иными поколениями в прежнем исходном виде, открытым для новых толкований.
В чем условия прочности и открытости произведений, определяе¬мых как классические? Масштабность и общечеловечность коллизий и конфликтов еще не является «патентом» на бессмертие произведения; в истории осталось множество «эпических поэм», не переживших сво¬их авторов. Ответ на поставленный вопрос необходимо искать в таком качестве художественной формы, как полисемия, многозначность. Правы исследователи, считающие, что условием неиссякаемой жизненности произведения является«многосмысленность, заложенная в форме».*

* Дмитриева Н.А. К проблеме интерпретации//Мир искусств. М., 1995. С. 24.

В эстетике не раз высказывалась мысль, что художественное со¬держание в истории искусства почти не обновляется, - ведь и чело¬веческая жизнь не так уж богата коллизиями. Но активным началом, обеспечивающим все более глубокое взрыхление «одной и той же жизни», порождающим ее новые онтологические блики, выступает художественная форма. Получила популярность идея К. Гоцци, ут¬верждавшего, что всю историю мирового искусства можно описать через тридцать шесть повторяющихся сюжетов (в чем с Гоцци согла¬шались Шиллер и Гете). Это же положение обосновывал французс¬кий исследователь Ж. Польти в своей книге «Тридцать шесть драма¬тических ситуаций», изданной в Париже в 1912 г.
Общие коллизии и конфликты не слишком крепко привязаны к определенному времени и конкретному действию, не детерминирова¬ны локальной средой, национальной спецификой, конкретными ус¬ловиями. Таковыми в действительности являются образы Шекспира. Его герои действуют в более или менее приблизительной историчес¬кой обстановке. В значительной степени таковы и произведения Моль¬ера, Пуссена, Байрона, Вагнера, Пруста, Кафки и многих других. По¬лифония их образной структуры, состоявшаяся благодаря полифонии художественного языка, несомненна. Многочисленны случаи, когда в искусстве осуществлялись стремления многократноумножить изна¬чально заданную символику текста. Тогда появлялись наслаивающиеся язы¬ковые транскрипции, порождающие своеобразные гибридные художест-венные формы: Бах-Гуно («Аве Мария»), Мендельсон-Лист («Сва¬дебный марш»), Бизе-Щедрин («Кармен-сюита») и многие другие.
Очевидно, тайна притягательности великих мастеров заключается в их умении всесторонне воссоздавать глубинную онтологическую сти¬хию бытия, так или иначе стирающую границы между низменным и возвышенным, тривиальным и прекрасным, натуральным и волшеб¬ным и, в конечном счете, между человеческим и божественным. Лев Толстой сказал однажды: «Как бы хорошо написать художественное произведение, в котором ясно высказать текучесть человека, то, что он один и тот же, то злодей, то ангел, то мудрец, то идиот, то силач, то бессильнейшее существо».* Помимо архетипичности общечелове¬ческих сюжетов очень важно, что они оказываются наполнены и воп¬лощены классиками стереоскопично. В такого рода многозначности, диалогичности, антиномичности любого классического произведения - один из мощных источников его притягательности. Рембрандт, к при¬меру, написав десятки автопортретов, показал многоликость себя как человеческого существа. То он предстает беспечным кутилой, то со¬лидным бюргером, то одержим гамлетовской рефлексией. Почти на тридцати автопортретах Рембрандт предстоит как простоватый и как мудрый, непричесанный и элегантный, любящий и холодный, смею¬щийся и серьезный. Фактически этой цельностью и всеохватностью произведение способно спорить с самой реальной натурой.

* Толстой Л.Н. Полн. собр. соч. М. -Л., 1953. Т. 53. С. 24.

Именно отсюда исходит правота нередко звучащего утвержде¬ния, что художественный мир может ощущаться более подлинным, чем реальный. Сгущение художественной символики образует такой ландшафт, что онтологически он воспринимается как более богатый, чем мир обыденный. То есть художественное переживание становит¬ся средоточием более обостренного переживания наличного мира. Сквозь особую конфигурацию ключевых символов, повторяющихся «эмблем» и лейтмотивов проглядывает всепорождающая стихия бы¬тия. На это, по сути, претендует любой художник - быть не своим собственным глашатаем, но «глаголом универсума». Его экзистенциаль¬ная тоска во многом и выступает как побудительный мотив творче¬ства, позволяющий искусству осуществить прорыв сквозь устоявши¬еся мифологемы и рутинный порядок в непредсказуемые глубины космоса, в новые резервы бытийного смысла.
Онтологический парадокс художественного содержания состоит в том, что, с одной стороны, художественная символика скрывает от нас вещество жизни, ее надо разгадать, десимволизировать, чтобы за тканью художественного смыслостроительства разглядеть первейшие импульсы мироздания. С другой стороны, человеческие смыслы бы¬тия, выражаемые искусством, принципиально нередуцируемы, т.е. не могут быть переведены с «зашифрованного» языка искусства на язык уже освоенных понятий. Под маской языка искусства таится и угадывается стихия бытия, вне этого языка невыразимая. С учетом этих сложных про¬тиворечий строится методология современных исследований «онтоло¬гических сгущений» художественного текста, позволяющая высветить его центрирующие эмблемы, подспудный смысл-каркас, задающий тон повествованию и сказывающийся на всех его уровнях.